La televisión no fue la muerte de la muerte para el cine, y eso tiene lecciones para las industrias creativas y la IA

Crédito: dominio público CC0

A medida que la televisión crecía rápidamente en popularidad en la segunda mitad del siglo XX, muchas personas asumieron que causaría una crisis de golpe para la industria del cine. Después de todo, significaba que los espectadores ya no tenían que abandonar sus sofás para disfrutar del entretenimiento en pantalla.

Pero la realidad era mucho más matizada. La “muerte del cine” ha sido promocionada habitualmente desde la introducción de la televisión, pero nunca sucedió realmente. En cambio, el cine encontró formas de trabajar con una nueva competencia a través de la innovación tecnológica, la invención estética y la participación en temas desafiantes.

Hoy, las lecciones de la introducción de la televisión demuestran cómo las industrias creativas han navegado la introducción de nuevas tecnologías. Y podría ofrecer algo de consuelo a aquellos que temen que la tecnología de inteligencia artificial (IA) podría ser una decisión de la muerte para las industrias creativas.

Ya en 1938, mucho antes de su popularidad generalizada, la productora de cine Paramount Studios buscó entrar en la televisión. Hizo una inversión significativa en Dumont Laboratories, que se convirtió en una red de televisión comercial pionera.

Otros estudios hicieron lo mismo y experimentaron con “Cinema en vivo”. Esta fue una forma de entretenimiento en la que las imágenes de transmisión, incluidos los eventos deportivos, se convirtieron en películas de 35 mm y se proyectaron en pantallas de cine, y se realizó a lo largo de la década de 1940.

El caso antimonopolio “Paramount Decretes” emitido por la Corte Suprema de los Estados Unidos en 1948 puso fin a las prácticas monopolísticas de los estudios, lo que les impidió poseer compañías de transmisión a favor de las redes de radio. También se les ordenó vender sus cadenas de cine, lo que significaba que sus películas ya no tenían proyecciones garantizadas al público.

Sin embargo, continuaron formando compañías de producción de televisión, con Columbia estableciendo gemas de pantalla en 1951 y Paramount reinvirtiendo en la red ABC en 1952. En la década de 1960, la mayoría de la programación de televisión en horario primo fue proporcionada por las compañías de estudio de Hollywood Woodwood. Estos lazos cercanos fomentaron una relación mutuamente beneficiosa.

Polinización cruzada

Después de la ruptura de los estudios, mucho personal de estudio encontraron trabajo en la industria de la televisión. Proporcionó un campo de entrenamiento para futuras estrellas de cine, incluso como Steven Spielberg, George Clooney y John Travolta. Los estudios también podrían alquilar sus estudios e instalaciones a compañías de producción de televisión.

El “sistema estrella” (en el que la popularidad de las estrellas de cine siempre había impulsado el potencial comercial del cine) ahora se complementaba con la exposición de estas estrellas en programas de televisión.

Muchos estudios comenzaron a usar televisión para anunciar sus películas. Por ejemplo, los programas de TV de Disneyland ayudaron a anunciar el estudio de Disney y sus productos cinematográficos como distintos de la televisión. Y los trailers de cine se convirtieron en otro conducto importante para la publicidad del cine. La era de los éxitos de taquilla de verano fue introducida por Jaws en 1975 con publicidad general en cada programa de televisión en horario estelar.

Cuando los primeros horarios de televisión carecían de suficiente contenido nuevo para llenar las ondas, el cine británico y las películas y series baratos (una serie de cortometrajes con finales de Cliffhanger; uno de los primeros progenitor de series de televisión) de los estudios más pequeños de Hollywood llenaron los primeros horarios.

Otros ejecutivos de estudio tomaron nota de que sus catálogos de cine, que se sentaban principalmente no tocados en bóvedas, eran una mina de oro financiera que podría volver a la producción cinematográfica y el desarrollo tecnológico. MGM, que poseía títulos, incluidos los favoritos perennes, The Wizard of Oz, que CBS reservó derechos exclusivos para la pantalla durante 20 años, desde agosto de 1956 US $ 34 millones (£ 12 millones) para sus títulos, mientras que Paramount resistió los US $ 50 millones (£ 17.8 millones). Los derechos de detección se vendieron a las redes de televisión.

Como resultado, la televisión se convirtió en el principal conducto para la visualización de películas. Posteriormente, se vieron más películas en la televisión que en la pantalla grande. Hubo 3.4 mil millones de visitas al cine en la televisión del Reino Unido en 2013 en comparación con 165 millones de admisiones de cine, estos ahora se comparten con servicios de transmisión y bajo demanda. Tenía que hacer algo para mantener a la gente yendo al cine.

Innovación técnica y estética

Al intentar preservar la experiencia de la pantalla grande, se introdujeron sistemas de sonido de pantalla ancha, 3D y múltiples pistas. El movimiento hacia la película en color estandarizada se aceleró, mientras que la longitud de la película extendida intentó vincular la experiencia cinematográfica con la “alta cultura” como el teatro y la ópera, con oberturas e intermedios.

Mientras que muchos fueron vistos como trucos (como el “olor-o-visión” en Scent of Mystery, 1960), la filmación de pantalla panorámica se convirtió en la elección estética de los cineastas, produciendo lienzos épicos y una experiencia de visualización alternativa en la pequeña pantalla de televisión.

Aunque muchas de estas tecnologías se remontan a la década de 1920, la competencia de pantalla pequeña impulsó la innovación tecnológica y estética, y fue financiada en parte por las licencias televisuales de sus películas. Junto con estas innovaciones, el contenido de las películas en sí ofreció una alternativa demostrable a la pequeña pantalla.

A fines de la década de 1960, Hollywood se había liberado esencialmente de las restricciones censoriales autoimpuestas del código de producción del heno, que regulaba todo, desde el lenguaje hasta las relaciones interraciales. En cambio, los cineastas habían absorbido las influencias del documental, la vanguardia y la nueva ola francesa, entre otros, así como los movimientos de rock n ‘roll y contracultura para hacer películas audaces y controvertidas, como ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966) y Easy Rider (1969).

Los temas y los niveles de sexo y violencia retratados en estas películas fueron impensables dentro de la industria televisiva familiar y amigable para el anunciante.

El director Alfred Hitchcock aprovechó al máximo esta distinción entre medios. Utilizó el ágil equipo de trabajo tele-visual de su serie de televisión Alfred Hitchcock Presents (1955) para la película de terror de Bothering Taboo Psycho en 1960, lo que sugiere que los dos medios podrían estar relacionados pero también divididos por contenido. Esto, junto con las innovaciones estéticas ayudaron a elevar artísticamente el cine en relación con la pantalla pequeña.

Y así la era de la IA amanece. La huelga de escritores y actores de 2023 mostraron que las industrias creativas están listas para luchar por su supervivencia. La adaptabilidad, como Hollywood ha demostrado a lo largo de su historia, también puede ser la clave del éxito continuo.

Proporcionado por la conversación

Este artículo se vuelve a publicar de la conversación bajo una licencia Creative Commons. Lea el artículo original.

Cita: La televisión no fue la muerte de la muerte para el cine, y eso posee lecciones para Creative Industries y AI (2025, 17 de abril) recuperó el 17 de abril de 2025 de https://techxplore.com/news/2025-04-television-wasntheath-knell-cinema.html

Este documento está sujeto a derechos de autor. Además de cualquier trato justo con el propósito de estudio o investigación privada, no se puede reproducir ninguna parte sin el permiso por escrito. El contenido se proporciona solo para fines de información.