Queen of Funk trabaja duro para superar fallas sonoras en el concierto de aniversario

Aún así, dada la noche cerrada con Ain’t Nadie, no la mejor canción de su repertorio, sino una mezcla perfecta de Slink, Simplicity, Groove y Glee para enviarlos a casa felices, hay un ingeniero de sonido que podría pensar que él casi se salió con esto.

MÚSICA
Toto con Christopher Cross
Darling Harbor Theatre, ICC, 19 de abril
★★★
Revisado por James Jennings

¿Qué hacer cuando tienes, digamos, tres canciones que son placenteras a prueba de balas, sin embargo, te han pedido que realices un concierto que dure al menos una hora o más?

Toto en Sydney. El miembro original Steve Lukather, en la guitarra, todavía lidera la banda. Crédito: Ashley Mar

Si eres Christopher Cross, un hombre al que podría ser acreditado por la creación del género conocido como Rock de yates (música suave y contemporánea para adultos de finales de los años 70 y principios de los 80) gracias a sus sencillos de 1980 que navegan y viajan como el viento, los extiende estratégicamente a una pista asesina cada media hora. El tema de Arthur (lo mejor que puedes hacer) completa la trifecta que complace a la multitud de Cross.

El resto de su set está sabiamente acolchado con canciones de su exitoso álbum debut homónimo de 1979, aunque una melodía a la que se refiere como un “Corte profundo” llamado Dreamers y una nueva canción llamada Ambos suenan lo suficientemente buenos como para demostrar que es más que un tipo con unos pocos éxitos de 45 años.

La banda de pop-rock estadounidense Toto tiene algunas canciones más conocidas a su nombre, pero la regla de tres placeres de multitudes a prueba de balas también se aplica a ellas. Una de esas, Rosanna de 1982, es el segundo taxi fuera del rango y se cae tan bien como es de esperar, incluso si solo una persona en el escenario, el guitarrista y cantante Steve Lukather, es un miembro original de Toto.

Los siete miembros de la banda son músicos magistrales, particularmente el nuevo tecladista y cantante Dennis Atlas, quien toca su instrumento como si hubiera sido teletransportado directamente de los años 80, a pesar de que es el más joven con más de 27 años.

A pesar de las habilidades en exhibición, se comprometen algunos pecados: varias canciones se convierten en atascos extendidos (siempre más divertidos para los jugadores que la audiencia; en esa línea también obtenemos solos en el teclado (dos) y el tambor).

Hay algunas canciones decentes en el camino, como 99 y proporcionaré el amor, pero más que se sienten como una tarea para superar. Todo se convierte en una sopa de radio amigable con la AM.

Luego, finalmente, la redención a prueba de balas y que complace a la multitud: el clásico de pop-rock de 1978 Hold the Line Livens Things Up considerablemente, el plato perfecto para la canción definitoria de Toto, África de 1982, que parece haber aumentado en popularidad a medida que las décadas han llegado a gracias a numerosas remixes, portadas y referencias de la cultura pop.

Es una nota gloriosa para salir y compensa un concierto que podría haber hecho con algunas canciones más del mismo calibre.

MÚSICA
Coros de Sydney Filarmonia
Salón de conciertos de Sydney Opera House, 17 de abril
★★★ ½
Revisado por Harriet Cunningham

Los conjuntos de vox y cámara de los coros de Filarmonia de Sydney se han unido con la orquesta romántica y clásica australiana (ARCO) para presentar la pasión de St Matthew de Bach en el arreglo de 1841 del trabajo de Felix Mendelssohn.

St Matthew Passion: El coro respondió al director Elizabeth Scott con impresionantes precisiones y energía. Credit: Keith Saunders

En los aproximadamente 300 años desde que se realizó por primera vez la pasión de St Matthew de Bach, ha sufrido una innumerable transformaciones: ha habido cambios en la instrumentación, el tono y la estructura y se ha organizado como una ópera y un ballet.

La versión de Mendelssohn, recreada por el equipo de especialistas de Arco, es notable por su orquestación. En lugar de un teclado en gran medida improvisado y Viola da Gamba Continuo, escuchamos los acompañamientos por escrito de Mendelssohn para dos violonchelos y bajo. En lugar del obsoleto Oboes da Caccia, Mendelssohn escribe para el nuevo clarinete y Basset Horn.

A veces se siente como una revelación, una paleta radicalmente diferente de colores de tono, que lleva la textura y el suspenso desconocidos al puntaje. En otros, se siente como una intrusión desconocida, especialmente cuando Pitch sale mal entre instrumentos históricos y voces contemporáneas.

La interpretación del período también presenta estilos románticos de rubato, que suenan dirigidos a este oído moderno.

La pasión es un drama de muchos personajes, algunos representados por cantantes, algunos por instrumentos. Los coristas son particularmente versátiles, en un momento interpretando a la mafia, enojados y listos para rugir, y en otro nos llevan a la maravilla contemplativa con un coral Pianissimo. Puede ser un pequeño ejército de voces, pero responde a la conductora Elizabeth Scott con impresionantes precisiones y energía.

Scott también ha reunido una excelente alineación de solistas: Andrew O’Connor desempeña muchos roles con habilidades consumadas y Penélope Mills aporta una buena claridad a los papeles soprano, mientras que la voz de soprano de Mezzo Soprano de Emily Edmonds está llena de calidez.

El concierto Rachael Beesley y la flautista Melissa Farrow traen virtuosidad melifluo a sus acompañamientos de Obligato, mientras que Teddy Tahu Rhodes brilla como un Christus carismático y elocuente. Finalmente, el héroe de la noche es Andrew Goodwin como el evangelista, su voz se extiende hacia los cielos con sublime facilidad.

BLUES
Gary Clark Jr
Teatro Enmore, 17 de abril
★★★ ½
Revisado por Bernard Number

La pista estaba en su entrada. Largo, extravagantemente delgado y coronado por un sombrero alto, ancho y generosamente blanco, el texano Gary Clark deambuló como si acaba de pasar.

Cantó de sospecha y resistencia: Gary Clark Jnrcredit: Ashley Mar

Era como si el propósito estuviera a su disposición, como el tiempo era flexible, elástico incluso, y no era tan moldeado por voluntad como por ejemplo. Y lo fue.

Incluso cuando la banda comenzó a tocar, una larga introducción de atmósfera se midió en su tempo pero deliberadamente vago en sus intenciones, todas las posibilidades se abren. Entonces, este malhumorado y giratorio de azules surgió y Maktub tomó forma: decididamente del norte de África en su amplia expansión del desierto, sugirió tanto movimiento como estasis, con la guitarra deslizante de Clark en largos pasos en lugar de pasos sigilosos.

Cantó de sospecha y resistencia en el tono de alguien cansado por la pelea pero no inclinado por ella; Advirtió “solo diles, vamos”, pero advirtió “tenemos que movernos en la misma dirección”, con la paciencia de alguien que ha estado así antes. Y así fue, siempre ondulante en lugar de aumentar, durante casi 10 minutos, tiempo inmaterial.

Y así fue por el resto de la noche: cuando la marca de la hora marcaba, Clark y Band acababan de comenzar con su séptima canción. Solo habría cuatro más, incluido un bis, en una muestra de casi dos horas.

En ese espacio que desafía el tiempo, la variedad no fue tan pronunciada como en sus álbumes más recientes, que han visto a Clark expandir su remit mucho más allá de Texas Blues. Aún así, se podía escuchar ecos del Parlamento/Funkadelic en el flojo, extraño, rítmicamente insistente juntos, mientras que las manos de Curtis Mayfield y D’Angelo-Old Soul y Nu-Soul, se podían sentir en números impulsados ​​por R&B como los conmovidos de los bebés, la primera vez que Clark’s Falsetto emergió.

Uno de esos predecesores probablemente habría alentado a Clark a acortar el preámbulo demasiado largo a los hábitos más cercanos del set, lo que parecía una culminación de los fideos que se arrastraron durante las etapas finales de la noche y sirvieron para acelerar la salida de algunos en la audiencia.

Pero entonces el hombre podría haber respondido señalando cómo la rueda de Catherine de un solo que culminó dijo que los fideos y la noche casi desgarraban tales pensamientos, como si, como el tiempo, no importaban.

TEATRO
Cara de serpiente
Belvoir Street 25A, 11 de abril
Revisado por Harriet Cunningham
★★★★★

Aliyah Knight, dramaturgo e intérprete, ya está en el escenario cuando la audiencia se encuentra en el teatro de la calle Belvoir Street y todavía está allí cuando las luces suben. Parece que no hay otro lugar a donde ir.

Solo un escuadrón en la parte posterior (utilizado para proyectar texto, a veces legible, a veces censurado) y un bloque de piedra, que resulta ser arcilla, el centro del escenario. La música llena el espacio restante, envolviendo y energizando una joven figura extraña de color a medida que giran, balancean y ranuran.

Una historia de la mayoría de edad, un mito, un sueño de fiebre y un misterio: la superficie de serpiente está escrita e interpretada por Aliyah Knight.Credit: Abraham de Souza, Box Box Theatre

La cara de serpiente es muchas cosas: una historia de la mayoría de edad, un mito, un sueño de fiebre y un misterio. Su título hace referencia a la Medusa del mito griega de cabello de serpiente. La imaginación de Knight transforma a Medusa en una víctima, convertida en un monstruo por violencia sexual. Esto se convierte en un trampolín en la mente y el cuerpo de una mujer cuya transformación es cualquier cosa menos mítica.

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Hay una autenticidad arenosa y alegre sobre gran parte del guión de Knight, que captura la curiosidad de los ojos muy abiertos y la sensación liminal de un adolescente hambriento de vida. Miran dos cuentas de sudor corriendo por el pecho de un hombre desnudo y se preguntan qué gana la carrera; Se ponen ojos con un extraño en un bar y alucinan de placer.

Hay poesía en la prosa de las palabras de la joven, y se enfrenta a las feas palabras que saltan de la poesía proyectada en el telón de fondo. Knight lo entrega todo con fluidez, volteando de charla para cantar en un monólogo sostenido, que me fascinaría leer.

Las palabras, sin embargo, son solo una de las capas: la cara de serpiente es un tour de fuerza física desde el cómodo ritmo mientras entramos, hasta el desastre de intimidad pegajoso y desagradable. El banco de arcilla deja rápidamente su huella, al principio solo polvo gris pálido en la piel oscura, luego, mientras el caballero profundiza, convirtiéndose en gotbets de quién sabe qué, apagar su piel, encarnando el asco y el rechazo de sus amantes blancos.

Crecer negro y extraño es desordenado, violento, sexy y trágico. La forma en que Snakeface lo cuenta, también es muy divertido, con buenas risas de vientre sólidos para liberar una historia difícil. Y aunque el final no es exactamente feliz, es alegre.

Knight ha creado un trabajo enormemente impresionante y enormemente que afecta en colaboración con el valiente equipo de creatividades de Fruit Box Theatre, que incluye acceso y consultores de bienestar para administrar los temas confrontadores del programa.

El programa 25A de Belvoir Street Theatre comienza desde prácticamente nada: un espacio, un presupuesto de cuerda de zapato, una gran idea. Lanza el teatro independiente una línea de vida ofreciendo el teatro de abajo sin costo para una alineación cuidadosamente seleccionada de equipos creativos emergentes.

Snakeface es la primera de siete nuevas obras este año. Va a ser difícil de superar.