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La adolescencia del drama inglés de cuatro partes, actualmente el espectáculo más visto a nivel mundial en Netflix con 24.3 millones de visitas a la serie, ha ganado elogios casi universales por su enfoque inquebrantable para su tema difícil: los efectos de dominio de un asesinato violento cometido por un niño adolescente.
En particular, ha sido elogiado por la forma en que cuenta esa historia: cada episodio del programa, creado por Stephen Graham y Jack Thorne, consiste en una sola toma.
La dificultad técnica de eso es inmensa, especialmente en el segundo episodio, en el que dos detectives visitan la escuela donde la víctima, Katie, y su asesino acusado, Jamie (Owen Cooper), eran estudiantes. Más de 300 extras y aproximadamente 50 tripulantes tuvieron que ser coreografiados para permitir que la cámara siguiera a la policía mientras se mueven a través del extenso campus de nivel múltiple. En los momentos finales del episodio, la cámara se eleva, vuela un par de cientos de metros y luego desciende por un primer plano de Eddie (Graham) mientras visita el sitio del crimen de su hijo por primera vez.
Es un cine de bravura y, para muchos espectadores, su primer gusto de narración de cuentos.
Stephen Graham como chef Andy Jones en el largometraje Boiling Point (2021), filmado en una sola toma por el director Philip Barantini y el director de fotografía Matthew Lewis.Credit:
Pero esta es una forma que se remonta a casi 80 años. Y entre sus proponentes anteriores se encuentran el equipo detrás de la adolescencia: Graham, el director Philip Barantini y el director de fotografía Matthew Lewis.
Barantini y Lewis trabajaron por primera vez juntos en un corto en 2016, en el que actuó el primero. Lewis luego filmó el primer corto de Barantini como director, Seconds Out, en 2019, y el mismo año en que Graham se unió a Graham para Boiling Point, una película de 20 minutos en una cocina de un restaurante.
En 2021, los tres reforzaron que hasta una característica del mismo nombre, con la sola toma que ahora se extiende a través de 90 minutos de acción cuando el chef Andy Jones (Graham) se deshace durante un servicio frenético.
La serie de cuatro partes giró de esa película (actualmente en SBS) abandonó el enfoque de una sola toma, pero la adolescencia lo empuja mucho más allá de todo lo que este equipo unido ha intentado antes.
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“El formato único hace dos cosas fundamentales”, dice Thorne. “Impone una estructura a la escritura. Usted tiene … la unidad del tiempo, el lugar, la acción forzada sobre usted. El segundo es … le da al actor el poder”.
Por lo general, la actuación de pantalla implica entregar breves capturas de guión, a menudo solo una línea, en la señal, repetidamente, con grandes descansos entre tomas. Mantener el carácter es un desafío. La toma extendida permite al intérprete habitar ese carácter sin interrupción.
Como dice Erin Doherty, que interpreta al psicólogo que visita a Jamie en la remande en el episodio tres, lo expresa: “Cuanto más estás en la piel de un personaje, se convierten en parte de tu alma. Hay una libertad que viene con la repetición que hicimos”.
Por supuesto, también exige hacerlo bien de una vez.
Cada episodio tardó tres semanas en reunirse: una semana para que los actores ensayen con Barantini y Thorne, una semana para los ensayos tecnológicos, en los que cada movimiento fue coreografiado y una semana para el rodaje real. Hubo tiempo para dos tomas por día, aunque a veces una toma fue abandonada a la mitad.
El episodio tres, en el que Jamie es entrevistado por el psicólogo (Doherty), fue filmado primero, tomó 11 tomas y fue capturado el último día. Episodio cuatro: en el que la familia de Jamie visita una ferretería (la cámara portátil fue deslizada en una plataforma montada en la parte delantera de la camioneta para el viaje, luego desmontó a la llegada), tomó 16. El episodio dos tomó 13, mientras que el episodio uno fue capturado en la segunda toma, el primer día.
La adolescencia solo fue posible porque la tecnología (cámaras y plataformas livianas, drones de alta potencia) y los modos establecidos de trabajo para este equipo creativo lo permiten. Crean el espacio para que ocurran actuaciones excepcionales.
Farley Granger, James Stewart y John Dall en Alfred Hitchcock’s Rope (1948) .Credit:
Pero los primeros intentos de narración de cuentos se remontan a la película de 1948 de Alfred Hitchcock. Un thriller de salón basado en un asesinato de la vida real, la película se cortó para parecer una sola toma. En verdad, eso hubiera sido imposible, ya que las cámaras utilizadas tenían solo 10 minutos de película. La película consistió en 10 segmentos. No fue hasta el surgimiento de cámaras digitales que se volvió factible la calidad de la calidad de la cinema.
Los primeros esfuerzos fueron comprensiblemente formales: el código de tiempo de Mike Figgis (2000), filmado simultáneamente con cuatro cámaras, se mostró en un formato de pantalla dividida, con líneas y caracteres superpuestos; El arca rusa de Alexander Sokurov (2002) nos llevó a una gira POV por el Museo Hermitage en San Petersburgo y simultáneamente a través de siglos de historia rusa (sus 83 minutos fueron capturados cuatro veces y presentó un elenco de más de 2000 personas).
Arca rusa. Credit:
Pero pronto el potencial de casar la acción y la tensión con la forma se hizo evidente. En PVC-1 (2007), el director griego-colombiano Spiros Stathoulopoulos creó un thriller de 84 minutos sobre una mujer obligada a usar un dispositivo explosivo improvisado, con un temporizador, alrededor de su cuello.
La película alemana Victoria (2015) empujó su trama de pico de banco más allá de la marca de dos horas. El escritor y director Sebastian Schipper obtuvo la versión que quería en su tercer y final, intente.
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Todo, se han realizado más de 50 características utilizando el enfoque de una sola toma, con otra docena usando ediciones pero presentando películas de una sola toma (Alejandro González Inarritu’s Birdman y la película de Sam Mendes en la Primera Guerra Mundial 1917 son las más notables).
Para algunos cineastas, The One-Shot es el desafío final. Y en la nueva serie de comedia The Studio, hay un episodio completo dedicado a eso.
Sarah Polley interpreta a una directora a punto de filmar el final de su película de su película justo cuando el sol está bajando. Hay tiempo para dos tomas en el mejor de los casos. Pero el jefe de estudio, Matt Remick (Seth Rogen), causa estragos absolutos cuando visita el set para presenciar un disparo a su Offsider Sal (Ike Barinholtz) llame despectivamente “el estúpido one-er”.
Todo el episodio está filmado en una sola, elaboradamente coreografiada y muy divertida toma.
Puede ser una rareza aún, pero cuando el único tiroteo se puede poner en fines desgarradores e hilarantes, sabes que está teniendo un momento.
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