Cuando Robert Altman dirigió su sátira de Hollywood “The Player” en 1992, abrió la película con una toma elaboradamente coreografiada que corrió ocho minutos e presentó a la audiencia a varios personajes clave sin un corte. La larga toma de Altman fue inmediatamente celebrada por los críticos y los cinéfilos, y aunque “The Player” no era necesariamente una película que los directores Evan Goldberg y Seth Rogen crecieron idolatrados, definitivamente estaba en su mente cuando llegó el momento de hacer que su propia comedia asiegue al sistema de estudio de Hollywood.
“Esa apertura realmente nos inspiró”, dijo Goldberg a Indiewire en un próximo episodio del podcast de cineasta Toolkit mientras hablaba sobre “The Studio”, la serie de Rogen TV+ de Rogen sobre un ejecutivo de Hollywood (Rogen) intentando, y en su mayoría fallo, no para arruinar la forma de arte que ama. Siguiendo el ejemplo de Altman, Rogen y Goldberg decidieron no solo abrir su programa con un exigente e intrincado Oner: diseñaron cada escena de todo el espectáculo para desarrollarse en una toma ininterrumpida.
“Si está haciendo algo sobre Hollywood, hacer algo técnicamente difícil afirma su posición como alguien que tiene derecho a hablar sobre estas cosas”, dijo Rogen. “‘El jugador’ hace eso. Está haciendo una de las cosas más difíciles que puedes hacer, y ahora va a burlarse de las películas durante las próximas dos horas. Pero claramente lo está haciendo desde la posición de alguien que entiende cada complejidad y desafío de la realización de películas”.
La metodología de Goldberg y Rogen también ayuda a servir a la historia, ya que el frenetismo de su cámara, que constantemente se lanza de un lado a otro y se mueve dentro y saliendo para seguir la acción sin cortar, da una idea del estado emocional de los ejecutivos acosados que trabajan en el estudio. “Queremos que sientas el pánico y el estrés”, dijo Goldberg. “No hay mejor manera de colocarte en él, y si estás en él, no estás cortando un disparo amplio”.
‘The Studio’apple TV+
“Tu cabeza está en un giro y estás tratando de seguir el ritmo de lo que está sucediendo”, dijo Rogen. “Era una forma de ver a Hollywood a través de nuestra lente, literalmente, porque solo usamos una lente todo el tiempo, una lente bastante ancha que replica lo que tomas mientras estás parado allí viendo a la gente hablar”. La lente en la que Rogen y Goldberg filmaron toda la serie, con la excepción de solo unas pocas tomas, fue una lente de 21 mm en la que aterrizaron con el director de fotografía Adam Newport-Berra después de probar varias distancias focales diferentes.
“Nos decidimos por 21 mm porque es bastante amplio, pero no se distorsiona demasiado”, dijo Newport-Berra a Indiewire, y agregó que abrazó la limitación de disparar con una lente. “Se necesita un elemento más de la conversación, por lo que podemos centrarnos en el movimiento de la cámara y el bloqueo. Sabemos cuál es nuestro campo de visión hasta el punto de que la mitad del disparo cualquier actor sabía exactamente lo que podría ver. Si estoy a seis pies de distancia de ellos, están en un vaquero. Si estoy dos pies, es un cierre. Si tengo 20 pies, tengo un extremo de ancho”.
Newport-Berra experimentó con diferentes lentes focales en un esfuerzo por variar el aspecto, pero “nos dimos cuenta rápidamente de que era completamente innecesario, por lo que lo abandonamos. Creo que tal vez hay tres tomas en el programa que son una longitud focal diferente, y lo lamento”.
Rogen atribuye a Newport-Berra a inspirarlo a él y a Goldberg a apoyarse en la disciplina de su concepto de tiro. “Realmente nos empujó a comprometernos aún más duro”, dijo Rogen. “Él fue el que dijo: ‘Una lente, una cámara. Ni siquiera deberíamos tener una segunda cámara, porque estaremos tentados a usarla si la tenemos. Realmente deberíamos pintarnos en esta esquina'”.
Si bien la tripulación se limitó a una cámara y una lente para la mayor parte de la sesión, hubo una excepción: el día en que la leyenda del cine Martin Scorsese apareció para filmar su cameo como él mismo. “Seth estaba bastante nervioso de que Scorsese se apareciera y se ofendiera de que solo teníamos una cámara para él”, dijo Newport-Berra. “Era la única vez que Seth era como, ‘Tenemos que tener dos cámaras en el set. Tenemos que tener dos operadores'”.
Sin embargo, cuando llegó el momento de filmar la escena, no había necesidad de sacar la segunda cámara. “Scorsese apareció por la mañana y Seth dijo: ‘Ok, Marty, vamos a disparar esto de una sola vez con una cámara'”, dijo Newport-Berra. “Y Scorsese dijo: ‘Genial, me encanta’, y esa segunda cámara nunca vio la luz del día. Marty ama a Oners y ama los enfoques fuertes, por lo que estaba totalmente deprimido por eso”.
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Concebir todo el programa como una serie de Oners fue algo que Rogen y Goldberg incorporaron al proceso de escritura desde el principio, para alivio de Newport-Berra. “He hecho grandes casas en películas y programas de televisión, y a menudo encuentro que la idea se produce después de que se escribe el guión”, dijo Newport-Berra. “Así que mencioné muy rápidamente, ‘Necesitas escribir para un Oner, debes asegurarte de que el material sea propicio para esto’. Y se apresuraron a decir: ‘Oh, sí, ya hemos estado pensando en eso’ “.
Según Rogen, pensar en las largas tomas prolongadas ayudó a asegurarse de que las escenas funcionen de una manera más rigurosa que el proceso de escritura típico. “Nos hizo ser muy duros en las escenas”, dijo Rogen. “¿Es esto lo suficientemente bueno? ¿Es demasiado largo? Fue instructivo en cuanto a si las escenas realmente funcionaban o no, porque si fuera demasiado largo, realmente lo sentirías”.
“Aún más, teníamos que decir: ‘¿Cuál es la toma en la que termina esta escena?”, Agregó Goldberg.
Goldberg y Rogen generalmente dispararon entre 16 y 22 tomas de cada escena y cada escena evolucionó en el set de acuerdo con los aportes de todos los involucrados, desde los actores y Newport-Berra hasta el editor. “Eric Kissack estaba en la edición en vivo”, dijo Rogen. “Él estaría como, ‘recortaría algo de tiempo fuera de esa línea. Y probablemente cortaría esa línea’. Reduciríamos la escena mientras la estábamos disparando, básicamente ”.
Cómo se planificarían los disparos dependiendo de las demandas de cada escena individual; A veces, a los actores se les dio una gran libertad para moverse de cualquier manera natural, pero en otras ocasiones Rogen y Goldberg les dijeron exactamente dónde estar y cuándo. “Tomábamos horas para ensayar la escena, y a veces ni siquiera disparamos antes del almuerzo, lo que ponía nervioso a las personas”, dijo Rogen. “Y luego dispararíamos 12 páginas de una vez en un trozo. Una vez que empezaste, simplemente no pudiste parar, y lo bueno de eso es que no tienes ningún impulso roto”.
Obviamente, el enfoque impuso demandas extremas no solo en la tripulación sino también en los actores. “Se dieron cuenta de que tenían que aparecer completamente fuera del libro”, dijo Newport-Berra. “Tenían que aparecer listos para rockear, y tuvieron que seguir haciéndolo por muchas tomas y tener esa resistencia. Es como el maratón corriendo. No te quemes en las primeras tres o cuatro tomas. Tendríamos actores invitados que se asustarían cuando comenzamos a ensayar, pero una vez que llegaron al ritmo, sabían que no trajeron su juego hasta la quinta o sexta toma”.
La presión de lograr el Oners tenía el beneficio adicional de unir el elenco y la tripulación en un objetivo común difícil. “Fue un verdadero esfuerzo de equipo, y cualquier cosa podría arruinar la toma”, dijo Rogen. “Cada departamento tuvo que trabajar juntos de una manera realmente genial y colaborativa, porque nadie quería ser el que haya arruinado esta cosa gigante”. “Se sintió como un deporte”, agregó Goldberg. “Al igual que al final de un juego de hockey, todos en el vestuario dicen: ‘¡Lo hicimos!'”
El espíritu del equipo hizo que los límites entre el elenco y la tripulación fueran más fluidos que en una producción típica, según los cineastas. “A menudo, la mejor idea vino de alguien que no esperarías”, dijo Newport-Berra. “Los actores tendrían ideas para disparos o mi agarre clave tendría una idea para bloquear que resolvería totalmente el problema. Todos vieron lo que estábamos haciendo y todos podrían verlo en el monitor, por lo que cualquiera que estuviera prestando atención podría tener una gran idea en el set. Lo que creo que es realmente especial”.
“The Studio” se transmite en Apple TV+. Para asegurarse de que no se pierda el próximo episodio de Seth Rogen y Evan Goldberg de CineMaker Toolkit, asegúrese de suscribirse al podcast en Apple, Spotify o su plataforma de podcasts favorita.
